作者：张玉梅 于园媛

编者按：

(资料图)

不久前，由中国美术学院刘智海教授执导的小成本战争片《云霄之上》上映，这部在去年的北京国际电影节上连续拿下“天坛奖”最佳影片、最佳男演员、最佳摄影三项大奖的影片，获得了广泛的关注。今年5月，中国美术学院正式成立电影学院，这是目前中国美术高校中第一所独立设置的电影学院。那么，为什么要把电影作为美术学科建设的重要方向之一？美术学院的人拍电影有什么优势和特点？“诗性美学电影”是一种什么样的电影风格？就这些话题，光明日报记者专访了中国美术学院院长高世名、中国美术学院电影学院院长徐小明。

概念设计作品《回溯》

记者：中国美术学院为什么要专门成立一个电影学院？美术学院的导演拍出来的电影，会带有与众不同的烙印吗？

高世名：中国美术学院电影学院，前身是影视与动画艺术学院，今年拆分成电影学院、动画与游戏学院。

美术与电影的隔膜，核心问题在于怎么讲故事。但在中国电影史上，由绘画出身而做导演成功的例子，也不乏其人。有代表性的是杨福东，他是中国美术学院油画系毕业，现在是国际知名的影像艺术家。2002年，他的第一部影片《陌生天堂》在德国卡塞尔文献展首映，影片以西湖为背景，讲述一个“存在主义气息”的故事，带有浓郁的文艺氛围，同时又充满迷茫、惆怅的情绪。

中国美术学院和电影的关系，从一个电影的梦想开始，从胶片——过期的胶片开始，接着开始慢慢进入这个方向的教学。这些年，中国美院聚集了徐小明、万玛才旦、陈玲珍、Mary Stephen、张献民、杜海滨、刘智海等优秀电影人才，培养出了一大批备受业界关注的青年电影人。

徐小明：我本来是想学绘画的，大学却考到了电影制作系，后来觉得它比画画有意思，就一头栽了进去。美院的学生与大学的电影专业学生相比，敏感性更强，让他们做一些简单的视觉表达或一些小的呈现，都会很“抓人”。

世界电影诞生127年的历史中，电影从无声到有声，从黑白到彩色，从2D到3D，到了这个世纪，胶片几乎消失，数字技术与数字媒介几乎无所不在、无所不能地成为人类生活的一种方式与依赖。

电影其实更应该像诗歌，而不是简单地像做一篇论说文一样。数字化之后，工具变得便利，门槛变低了，胶片时代电影的那种严肃性和仪式性也降低了，构思和酝酿的时间迅速缩短。我们在中国美术学院做电影教学，就是要保持纯粹性，不是为了迎合市场，这个电影拍完就是要给行业里的精英专家、给做电影学研究的人看。

《云霄之上》电影海报

记者：中国美术学院电影学院成立之时，提出“诗性美学电影”的愿景，那么，“诗性”指的是什么样的电影风格？它是指画面更好看吗，或者说，它是另一种形式的“文艺片”？

高世名：诗性电影是我们探索的方向之一，它并不是指“诗意电影”，并不全是那种惆怅情绪的，比如《云霄之上》具有诗性，但它并不诗意，它是一个战争片。诗性并不是指从诗歌、文学中来的那些诗意，而恰恰是指影像自身的诗学，影像自身凝注在现实自身的时候所产生的升华感。本质上每部电影都是纪录片，但为什么它又不是呢？就是影像的诗学在起作用。我们拍任何一个电影，都是“作假”、表演，但是演员在这里真的喝了一杯咖啡，这个事情是真实的，虽然他是演了“他喝了一杯咖啡”，但这个事情本身是真实的，在摄影机前是真实发生的，所以在这个意义上，本质上都是纪录片，但是，之所以它能够超越对事实的记录，能够构造起叙事和影像自身的魅力，是因为影像的诗学在起作用。其实，诗性电影背后是要探讨影像的诗学，这个诗学就是影像自身超越表象、打动人心的内在韵味。

诗性电影某种意义上会接近“文艺片”，但其只是一方面。一想到诗性电影，圈内人都会想到费穆，他的《小城之春》的每一组镜头都不一样，和文艺片也不一样，不是说他讲故事的方式不一样，而是他讲故事的味道是不同的。诗性电影更多是从电影语言来讲，更加强调影像的艺术表达本身。

电影的黄金时代已经过去了半个世纪，今天来看那个时代的条件太差了，但那个时候在技艺上的深度和讲究，丰富性和创造力远超过今天。类比游戏也是如此，比如围棋，黑子、白子、多网格，它的规则看起来那么简单，形式那么抽象，但是，下围棋的人当时却可以想到两军鏖战、帝国争霸、逐鹿中原，无限丰富。今天，电子游戏越来越逼真、越来越具象，但整个游戏驱动情感的机制，就是打怪晋级、寻宝，反而变得很简单。电影也是如此，一方面技术不断进步、往前走，另一方面，技艺却停滞不前，甚至不如以往。这是今天电影的困境。

徐小明：电影的核心是文本的作用，有一种是借形式来表现，借外部工具来展示所谓的真实与超真实，还有一种是看起来非常现实，但是电影会让你看着看着从现实进入非现实，这是艺术上的追求，这个对我来讲是不能放弃的。

《云霄之上》中我们没有做任何超现实的手段，我们给你看的是完全现实的状态、人物的处境，从而“逼看”人物最内心的部分，形成真实与非真实之间的游走。《云霄之上》的镜头语言、美学，在电影史上不是全新的，但在中国近三十年还是新的。每一次的创作都是一次冒险，但我们必须要做出来，因为我们感受到一些问题，这些问题不是你能解决、我能解决的，而是在现代整个人类面临的一个集体困境，但是不能因为觉得它是困境，就把它放在一边，只有我们直面这一步，才会不断地涌现做这件事情的力量。

祝新作品《漫游》海报

记者：艺术常常是超前的，更多是站在当下看未来。那么，未来电影发展的方向是怎样的？

高世名：第一个方向是诗性电影，第二个方向是寻找和创造新引擎。诗性电影是从表达的端口，新引擎是从技术的端口。

新引擎是什么呢？《黑客帝国》给我们提供了未来的想象，我认为未来一定是往混合现实的道路上走。寻找影视体验创作的新引擎，就是在混合现实的未来场景的开发上。

新引擎的难度是什么？未来我们的生存一定是混合现实、赛博生存的状态，那么，就需要数字科技与人机交互等感应设置的开发。我们要参与进虚幻引擎的研发，艺术家与程序员一起，开发创作出更多的新工具。科艺、科教融合是有相当难度的。

今天越来越多的电影是“数字资产+虚幻引擎”，甚至连横店都不需要了，只要后期影棚就好。比如拍了某部电影，那么就出现了一个影城，可以做文旅，这是以前的模式，现在都是在绿幕前表演，加上动捕，后期做出浩瀚星空、宇宙沙漠，就可以直接放进去了。那后面靠美术建构出来的世界，实际上就是“数字资产”。

徐小明：高院长提到的混合现实，是一个带有技术性的描述。近二十年来，整个电影工业体系的发展，大量新的技术被提炼、整合。比如要拍航天任务，那就要借助技术手段，电影《指环王》早在二十多年前就使用了创新技术手段来制作规模宏大的场景。

对我来讲我更在意的是教学生如何形成文本、怎么去表达自己对世界的看法。电影本身是从西方引入的，我们需要借助西方的电影体系建立一套中国人的语言体系，这是跟中国的哲学传统有关的。其一，中国人在表达情感上和西方人是完全不一样的，虽然近二三十年来年轻人的情感表达方式发生了一些变化，但中国人普遍的情感状态是隐忍的、婉约的、含蓄的。所以，中文电影世界里的人物，在表达上有一套我们自己的美学，我们希望建立的也是这个体系。其二，如果只是把舞台剧用动态摄影拍下来就变成电影，我不承认。我们做电影为什么要回到电影本体？这是和我们的认识相契合的，我们的电影起源不是我们的，都是在复制和模仿别人，这也没问题，但我们有责任在整个过程中，尽可能地再往前走一步，就算它很危险，我们都得要试试看。

动画短片《罗生门》剧照

记者：电影是20世纪的工业，在21世纪的数字智能时代，它正进行着从制作到叙事、从工具到界面的全方位的自我迭代。电影学院将怎样建立自身的人才培养体系，实现未来的电影创作愿景？

高世名：这条路还挺长的，我们更多指向的是电影本体语言开发的方法，所以说战场不是院线市场，它的战场其实是在业内，就是“烧菜给厨师吃”。科技与艺术的融合，必须要跟产业结合在一起。我们是人才培养为底色的单位，即使不能充分参与到产业体系，但是我们至少可以给产业体系提供源源不断的人才。

徐小明：电影学院现在分为导演、摄影、美术三个专业方向，我们希望集中优势、办出特色。

学生在大一都是专业通识课的学习，会强调人文、社会学等内容，从经典入手。我上的课是从电影的发展讲起，中间讲一些有意思的故事，去建立起年轻人对自己与电影之间的一个认识。我们的老师都不是纯学术研究的，都是身体力行的行动者，比如万玛才旦本身是导演，他讲授经典赏析的课程，是“导演论导演”，给学生建立创作上的认知。

让学生毕业之后能够进入行业，能快速上手，能够谋生，本来就是学校很重要的责任，但是，这个是很难的，因为恰恰也许因为你担心学生毕业后没有办法融入行业，反而把他的创造力给抹杀掉了。所以我们希望保持年轻人对电影的想象力。

《光明日报》（ 2022年09月04日 11版）

关键词： 电影美学